Ayer Frusciante dejó un mensaje en su página web un poco extenso y lo he encontrado traducido en Facebook, os lo dejo por aquí:
"Mi historia reciente
Empecé a ponerme serio acerca de seguir mi sueño de hacer música electrónica, y de ser mi propio ingeniero, cinco años atrás. Durante los 10 años anteriores a eso, estuve tocando guitarra junto a una amplia variedad de diferentes tipos de sintetizadores programados y música basada en samples, emulando lo mejor que podía, lo que oía. Me di cuenta que los lenguajes que las máquinas forzaban a los programadores a pensar, les causó descubrir un nuevo vocabulario musical. Las varias formas de música generada electrónicamente, particularmente en los últimos 22 años, han introducido muchos nuevos principios de ritmo, melodía, y armonía. Hubiera aprendido lo que alguien había programado, pero su proceso de pensamiento me fue esquivo. Los programadores, particularmente los versados en máquinas de principios de los 80s y/o trackers de los 90s, claramente tenían una base teórica para su empleo, pero no era la teoría que yo conocía del pop/rock, el jazz o la música clásica. La relación de las manos con el instrumento da mucha cuenta del por qué los músicos hacen lo que hacen, y llegué a sentir que en el pop/rock mi mente era usualmente dominada por mi mano, lo cual tenía un gran deseo de corregir. Estaba obsesionado con música en la que la inteligencia de una máquina y la inteligencia humana parecían estar rebotando una a la otra, cada una expandiéndose con la incorporación de lo que recibía de la otra.
En el 2007 empecé a aprender cómo programar todos los instrumentos que asociamos con la música Acid House, y algún que otro equipo. Por unos 7 meses no grabé nada. Entonces empecé a grabar, tocando unas más o menos 10 máquinas sincronizadas, a través de un pequeño mezclador, a un grabador de CD. Esto era todo Acid House experimental, y sin que mis habilidades para hacer rock tomaran parte en ello. Había perdido interés en la composición tradicional y estaba entusiasmado por encontrar nuevos métodos para crear música. Me rodeaba a mí mismo de máquinas, programaba una y después otra, y disfrutaba de lo que era un proceso fascinante de principio a fin. Estaba emocionado por el método de usar números, de una forma bastante parecida a la que había usado mis músculos toda mi vida. Habilidades que previamente habían sido aplicadas por mi subconsciente, estaban gradualmente convirtiéndose en conscientes, a razón de tener medios de pensamiento teóricos numéricos en cuanto a ritmo, melodía y sonido.
Entonces empecé una relación musical con dos amigos, en la que podía hacer básicamente la misma cosa que venía haciendo en mi living, sólo que con otra gente. Esta sigue siendo una banda que es perfectamente congruente con mi naturaleza.
Justo después de empezar a tocar juntos, empecé a usar una computadora. Inicialmente era sólo para grabar lo que estaba haciendo con un soporte físico, pero eventualmente se convirtió en unos de mis instrumentos principales. Gradualmente construí un estudio dispuesto idealmente para las formas específicas en que trabajo y pienso (este es un trabajo que sigue progresando). La música que hice en esta etapa fue un tipo más aventurado de Acid House instrumental de lo que venía pasando a CD, y para cuando grabé mi segunda canción en una computadora, estaba consciente de que Synth Pop Progresivo era un descripción acertada de lo que estaba haciendo. El Acid era, no obstante, el estilo musical central involucrado.
Después de un año más o menos en la computadora, ocasionalmente volví a usar mi voz otra vez. Anteriormente a esto, incorporar guitarra y canto había sido un problema, porque quería hacer música basada en las reglas tal como las percibía (inherentes en las muchas formas de música electrónica que amo), y no quería entremezclar esto con lo que había hecho anteriormente con la composición y la guitarra, con lo cual varias reglas de música pop/rock habrían sido naturalmente empleadas. Si hubiera atinado a mezclar ambas en ese tiempo, mi electrónica hubiera servido de apoyo a mis canciones, voz, y guitarra. Esta idea me era repugnante. Debido a haber estado mucho más desarrollado como músico de rock, las características del rock y sus reglas hubieran dominado, y por ende ralentizando el ritmo en el que estaba descubriendo cosas nuevas. Para ser claro, cuando hablo de reglas, me refiero a los principios subyacentes y fenómenos abstractos que definen un estilo en particular, marcando sus fronteras y límites, en el cual existe un área que demuestra ser digna de investigación humana creativa.
Seguí escribiendo canciones, pero sólo cuando tenía que hacerlo por necesidad, porque algo tenía que ser expresado de esa manera. Ya no veía escribir canciones como un trabajo para ser prolífico, como lo había hecho por tanto tiempo. En estos años más recientes, es algo que sucede a veces, algo natural, como respirar. Al principio, grabar canciones pre-escritas se sentía como una restricción, pero eventualmente me encontré con suficientes nuevos métodos de trabajo adquiridos por mi cuenta, y suficiente habilidad y velocidad en la programación, que cuando grababa una canción pre-escrita me divertía tanto como cuando hacía instrumentales. Este es el punto en el que las canciones de Letur-Lefr fueron grabadas. Todavía me mantenía alejado de la mayoría de las características de la música rock, pero el R&B y el Hip Hop se fusionaban bien con los varios tipos de música que estaba combinando. El R&B me parecía un camino por el cual podía integrar mi composición de canciones con mi programación, siendo de tal manera que la canción sirviera de soporte para las cosas que estaba haciendo instrumentalmente (y no de la forma contraria), lo cual era muy importante para mí.
Cuando esta fase pasó, empecé a desarrollar un concepto para un nuevo enfoque al tocar guitarra, que requería de una práctica regular. Por los años precedentes, la práctica consistió en tocar a la par de uno u otro disco de Rave o Synth Pop, o lo que sea. No veía una razón para desarrollar mi forma de tocar con respecto a lo muscular, ya que no había necesidad de esa forma de tocar en mi música. Originalmente estaba practicando de forma disciplinada, porque quería tocar de una manera específica en el segundo disco de mi esposa. Pero encontré un enfoque hacia el instrumento que era totalmente nuevo para mí, con el cual veía mucho espacio para crecer. Siendo mi principal instrumento melódico electrónico el MC-202, pasé por un largo período en el que mi conocimiento de la guitarra servía para mi programación del 202. Pero ahora había llegado a un punto en que pensaba tanto como “202ista” como lo hacía como guitarrista, y mi forma de tocar guitarra ahora se servía de mi conocimiento del 202. Estaba usando los músculos que desarrollaba de una manera completamente divorciada de la manera en que los usaba como músico de rock, parcialmente porque me cambié a un tipo diferente de guitarra (una Yamaha SG), pero principalmente debido a que mis ideas musicales se basaron en mi entendimiento de un instrumento en el que la elección de notas no está limitada por la posición de la mano de uno. Así que en este punto, la guitarra se integró completamente en mi música. La combinación de tener un nuevo enfoque hacia el instrumento, combinado con todas las formas con las que ahora estaba bien versado en procesamiento de sonido, resultó para darme el mismo entusiasmo con la guitarra que el que tenía hace largo tiempo con mis sintes, secuenciadores y drum machines. Esto y otros factores, resultaron en yo siendo capaz de elegir y seleccionar principios musicales específicos del rock/pop para aplicar en mi música, tal y como venía aplicando aspectos específicos de cada otro tipo de música que amo. Ya no tenía que preocuparme en evitar clichés, porque simplemente ya no pensaba de esa manera. Había desarrollado nuevos hábitos, los cuales me estaban llevando a nuevos lugares de toda clase, y los viejos hábitos ya me eran ajenos. También, la computadora se había convertido en un nuevo instrumento para mí, así que el Drum n’ Bass (como también un número de otros estilos que estuve tratando de alcanzar) se había integrado completamente en mi música. En este punto, también empecé a tomarle la mano a características de estilos de ingeniería del pasado, permitiéndome combinar aspectos de estilos de producción viejos y modernos, tal y como había estado combinando diferentes estilos musicales.
En un par de meses en este período, empecé la grabación de PBX Funicular Intaglio Zone. Durante años había hecho todo de a una canción a la vez, pero mi experiencia en producción ahora me permitía trabajar cómodamente dentro del concepto de un disco, a la vez que estaba completamente absorto en el proceso. Por este tiempo, encontré el balance que había estado buscando, en el que la presencia de una voz y la estructura de una canción escrita realmente me proveyó de una libertad adicional como músico.
Aspectos de PBX son la realización de combinaciones de estilos de música que veía en mi cabeza muchos años atrás, potenciales, pero que no tenía idea de cómo ejecutarlos. Estoy muy feliz de haber tenido la oportunidad de concentrarme en la música sólo por la música misma, y también muy agradecido de haber pasado todos esos años activo en el negocio de la música a la vez que mantenía mi cabeza en la música todo el tiempo. Fui libre de pasar la mayoría de mi tiempo tocando a la par de discos, escribiendo, y soñando. Siento muchísima gratitud hacia todos los que hicieron eso posible.
En suma, el Acid sirvió como un buen punto de partida para mí, muy gradualmente llevándome a ser capaz de combinar cualquier estilo de música que quisiera, como una banda de un solo hombre.
http://johnfrusciante.com/
