Sólo metal

Pues ya me he oido el disco y...
Me ha defraudado un pokito, xD
No habra kritica :S

Sí, eso, no sigas, q preparo mi pedrolo xddd (e broma)

Con esos grupos no iba a ir ni el tato, la verdá

Además que Barcelona ni Madrid están en lo del Live 8 porque España no es país miembro del G8, simplemente ^^

Pero weno, los heavys y los nu-heavys no tendreis a Amon Amarth ni a Children of Bodom, pero teneis a Deep Purple, Mötley Crue, Def Leppard, Bon Jovi, Linkin Park, Audioslave y alguno más de estos, que bueno, habrá quien les guste más o menos, pero ahí están ayudando

Creo que es precisamente al revés, pero vamos, supongo que todo el mundo le puede ver parte negativa a esto, aunque mejor unos conciertos así que nada :/

#2884 i sudafrica es del G8 no? Bhyba_ytu

!! alguien sabe si Abbath, ex-cantante,guitarrista,bajista detodo de immortal tiene actualmente algun grupo? thx

Estudio, comentario, crítica y opinión del disco "Dark Side of the Moon" por Pink Floyd

Introito

Creo que este es el momento oportuno para plasmar las ideas que tenía guardadas desde hace un tiempecillo. Siempre quise hacer una crítica de Pink Floyd pero no veía el momento ni el lugar, pero como muchos ya sabreis, con motivo de los macroconciertos Live 8 la banda se ha vuelto a reunir momentaneamente con su line-up clásico, es decir, David Gilmour, Nick Mason, Richard Wright y también Roger Waters, que se separó de ella en 1983 comenzando su carrera en solitario debido principalmente a diferencias irreconciliables con los demás miembros de la banda, ocasionadas en su mayoría por su elevado egocentrismo y excesivo control sobre el grupo.
Habiendo visto el sábado este PEDAZO de concierto que nos ofrecieron me ha dado más que moral para acometer esta ¿pequeña? reseña de mi disco favorito de la banda. "Speak to me - Breathe", "Money", "Wish you were here" y por último mi favorita de siempre (quitando "Echoes") "Comfortably Numb" fueron las elegidas, genial elección para el directo, me sorprendió en especial "Speak to me - Breathe" (grata sorpresa, eso sí) y me gustó especialmente la última, claro, que me arrancó alguna que otra lagrimilla con ese solo final. porque la verdad es que no puedo resistirme a ese solo, es mágico, me tiene atrapado desde la primera vez que lo escuché y lo hace en cada sucesiva escucha.
Esperemos que no sea algo meramente pasajero y que por fin se cumpla mi sueño de poder verlos en directo algún día no muy lejano como banda estable. Así que no hay motivo mejor para escribir este somnífero texto -sí, qué se le va a hacer- y homenajearlos de alguna manera.

Sinceramente, no me veía capacitado para realizar este trabajo, de ningún modo. Muchas otras veces me había puesto manos a la obra con alguna crítica sin ningún temor a cómo quedaría el resultado final, y esa libertad moral era la que hacía posible un texto muy personal y creo que bastante fidedigno a mi propio criterio. Así ha sido desde que comencé a escribir en este post y creí que así seguiría siendo. Nunca me paré a estructurar los textos y a meditarlos durante días, siempre fue algo improvisado, una idea plasmada luego en el papel, bueno, PC en este caso, que llevaba a cabo en un par de horas tan sólo.
Siempre he sentido una especie de vértigo insuperable, de abismo infinito ante este grupo, y especialmente ante este disco.
No es ningún secreto que se trata de mi grupo favorito, profeso una especie de religión para con ellos, y siento una especie de iluminación espiritual escuchando a estos tíos.
La idea de hacer una crítica de Pink Floyd ya la tuve hace cosa de 6 meses, y en un principio iba a ser sobre el disco "The Wall" y la película del mismo título, porque había varias personas en mi entorno interesadas en los enrevesados laberintos musicales, visuales y líricos encerrados en esta grandísima obra.
Madurada la idea, la deseché inmediatamente. ¿El porqué? Tal trabajo requería un esfuerzo que yo no estaba dispuesto a hacer por aquel momento, si me ponía con ello tenía que ser un trabajo completo, con un análisis concienzudo tanto del disco como de la propia película, lo cual precisaba un estudio completo de los dos, cosa bastante difícil de conseguir, pues son obras complejísimas tanto en forma como en estructura, en el qué como en el cómo.
Realmente quiero hacerlo algún día, y el verano parece la época más propicia para ponerme con ello, pero bueno, todo se andará.

La opción más realista pasaba por LA obra maestra por excelencia de Pink Floyd (digo Pink Floyd y no Roger Waters, ojo), el álbum que reúne los elementos de las dos etapas del grupo, la psicodelia de la época Syd Barrett y el "The Piper At The Gates Of Dawn" con el space rock posterior, inaugurado con el "Meddle y continuado de diferentes maneras hasta el final del grupo con mayor o menor acierto.
Pero que no lleve a engaño, la decisión de elegir este disco no es ningún segundo plato, no es que prefiera "The Wall" antes que "DSOTM" y me haya tenido que conformar con este último, nada más lejos de la realidad.
En mi opinión, creo que este es su mejor disco, -favorito mío desde que empecé a escucharlo detenidamente habiendo madurado y no esperando cual poseso a que sonase el famoso inicio de máquinas tragaperras de "Money" desde hace un par de años- y si se me permite el MÁS grande disco de toda la historia del rock (perdonadme Townsend y todo "The Who" porque "Who's Next" estaba ahí, ahí), disco que supone la cima de su creatividad, hecho en su mejor momento, un periodo que continuó con "Wish you were here" y "Animals", los tres discos que redefinieron una época, y que acabó con "The Wall", un disco que no es Pink Floyd, no al menos como grupo, lo que no quita que sea bueno, obviamente, antes me clavaría un puñal en el pecho que afirmar lo contrario.

Al hacer esta crítica me entró pánico, una suerte de miedo escénico diría yo, porque este disco es especial, no es como una review de Opeth o de Samael, da igual lo mucho que te guste el disco y el grupo en cuestión, en este disco hay todo un trasfondo histórico y social que hay que cubrir, este disco ha supuesto para la música del siglo XX tanto como el "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" de The Beatles o el "Who's Next" de The Who, es algo que hay que aceptar y plasmar al hacer la crítica.
También era complicado por la complejidad del disco, su multiplicidad de puntos de vista, un cromatismo parecido a una buena película de Kubrick o de Lynch, que siempre te permite crear tu propia opinión sobre el film.

Para la primera parte de documentación y de exposición respecto a la banda y detalles externos me quité mi traje de improvisación y me puse el de ratón de biblioteca, indagando en numerosa bibliografía, pero para la crítica per se he continuado en la misma línea de siempre, de marcado carácter connotativo, y es que en este post siempre hemos tratado los discos de manera muy personal al no ser críticos profesionales, y, francamente, creo que es la mejor manera de hacerlo. Comienzo ya con un trabajo que espero les guste y les ayude a comprender esta obra magna del pasado siglo, si ya lo han escuchado apreciarán cosas nuevas y detalles que contribuirán a una mejor escucha y si no lo han hecho descubrirán un mundo entero fantástico en estos casi 43 minutos de perfección musical.

La banda, su música y su historia hasta 1973

La banda Pink Floyd se creó en 1965 en Londres por los jóvenes Syd Barrett y Roger Waters, vecinos y amigos desde hacía tiempo en Cambridge. El nombre procede de los dos bluesmen favoritos de Syd, Pink Anderson y Floyd Council, aunque no fue siempre así. En un principio se llamaron de múltiples maneras, entre ellas The Megadeaths, The Architectural Abads, Sigma 6 via the T Set, The Abads, luego Pink Floyd Sound y por último Pink Floyd, el nombre por el que todos les conocemos.

Syd y Roger se mudaron a Londres para estudiar, el primero en la Camberwell Art College y el segundo en la Regent Street Polytecnic para estudiar arquitectura. Allí conoce a Nick Mason y a Rick Wright (que estudia piano clásico), dando lugar al grupo completo.
Esta primera formación es la que podríamos denominar de "la primera etapa", con Syd Barrett tomando la batuta de director del grupo. Comenzaron siendo una banda de Rythm 'n' Blues bastante convencional, haciendo covers de clásicos como "Louie, Louie", pero fue transformándose lentamente en algo mucho más rompedor y novedoso, debido en su mayor parte a la influencia de los grupos de la costa oeste americana como los Beach Boys y también del rock psicodélico que destilaban ya The Beatles por aquella época. Todo ello era aderezado con numerosas dosis de humor y de pasajes literarios, y es que no hay que dudar de que Syd era un hombre de bastísima cultura.

En 1967 firman con EMI y lanzan el controvertido single "Arnold Layne", que versaba sobre un travestido, y que causó no poco escándalo en la BBC. Más tarde le siguió "See Emily Play", una canción donde se advertían ya las primeras exploraciones musicales del grupo. Más tarde aquel año lanzan su debut, "The Piper At The Gates Of Dawn", nombre sacado de un capítulo de "El viento en los Sauces", el libro preferido de Syd.
Este disco es una joya del pop-rock psicodélico, del rock espacial ("Interstellar Overdrive" nos da a entender ese nuevo sonido del grupo), igualado tan sólo por el "Sgt. Pepper's" pero desde luego nunca superado. El disco es un torrente de fuerza y de humor, que se desprendía constantemente desde las caóticas letras de Syd Barrett. Desde luego no es ningún disco como los demás de Pink Floyd. Hay fans que afirman que este es su mejor disco y que nunca consiguieron siquiera acercarse a la vitalidad de estas 11 canciones, cosa desde luego nada descabellada, porque si sus siguientes intentos son un claro exponente de inteligencia, equilibrio y armonía (también harmonía) el debut es un disco loco a la vez que brillante, anárquico a la vez que preciosista, una dualidad contradictoria que la magia de Syd, cual sombrerero loco en cuento de Lewis Carrol consigue transformar en unión y fluidez.
Las canciones van desde un pop ácido e irreverente de canciones tales como "Matilda Mother" a improvisaciones instrumentales de una calidad altísima como la ya nombrada "Interestellar Overdrive". Puta psicodelia en estado puro.
Hemos de ver claramente esta diferencia con los Pink Floyd más maduros, más cerebrales. No es mejor ni peor, son dos mundos distintos de entender la música de Pink Floyd, y desde luego el de Syd era el más jovial e infantil, pero también el más auténtico.

Lamentablemente este disco fue el único bajo la dirección de Syd Barrett, pues su adicción al LSD comenzó a deteriorar su mente, teniendo el grupo incluso que cancelar un tour por los Estados Unidos debido a que Syd era incapaz de cantar e incluso de tocar, quedando en estado catatónico y en trance durante los conciertos.
Ante esta situación los restantes miembros de la banda deciden contratar a David Gilmour como segundo guitarrista, pero el continuo decaimiento en la salud mental de Syd obligan al resto del grupo a echar a la mente creadora fuera de la banda, dejando el segudno disco "A Saucerful of Secrets" sin terminar. Este problema hace que David Gilmour se convierta en miembro fijo de la banda, sustituyendo a Syd en la guitarra.
Con el diamante errante fuera del grupo el trabajo de acabar ese segundo disco era algo casi imposible, pues ¿quién iba a poder sustituir a ese genio de nuestro tiempo? Nadie en el grupo era de lejos tan buen letrista como él, David intentó algunas letras pero eran bastante mediocres, así que Roger Waters tuvo que hacer ese duro trabajo, aunque en el futuro se convertiría en un letrista prodigioso, duro, incisivo y poético.
Este segundo disco tenía también trabajo de Syd, pero nada tan marcado como el anterior, tan sólo 1 canción, "Jugband Blues". Se entra en el periodo que denominaré como "democracia" de la banda, intentando aunar los esfuerzos de los 4 para igualar el talento mágico de Syd.
En conjunto "A Saucerful of Secrets" no es un disco malo ni mucho menos, vemos una innovación de la banda, que intenta buscar nuevos horizontes, aún más psicodélicos y espaciales, muy "acid friendly" si se me permite. Es mucho más apagado que su ópera prima, tiene un toque oscuro y distante en canciones como "Set the Controls for the Heart of the Sun" (el mayor éxito de este disco) y la homónima "A Saucerful of Secrets", toque que continuarían en discos posteriores, alejándose más y más del sonido de "The Piper at the Gates of Dawn".
El directo de la banda se volvió mucho más rocambolesco, con efectos cada vez más complejos, luces psicodélicas por todas partes que hacían de ellos una experiencia inimitable.
El disco no tuvo tanto éxito como el primero, pero no fue tampoco ningún fracaso, llegando al número #9 en las listas británicas.

Tras este pequeño traspiés, si es que se le puede llamar así, el grupo sigue su ascendente camino experimental de baldosas amarillas con la banda sonora para la película avant-garde "More" en 1968. Es imprescindible aquí recalcar la importancia del cine en el devenir de la banda, así como otras artes, tanto plásticas como escritas. Los miembros del grupo fueron siempre unos fervientes admiradores del cine avant-garde de finales de los 60 principios de los 70, y contribuyeron de manera importante a su desarrollo, tanto en proyectos para bandas sonoras ("More", "Obscured by Clouds", "Zabriskie Point") como en LP's propios, de hecho Stanley Kubrick intentó usar partes de "Atom Mother Heart" para la película "La naranja mecánica", pero la banda rechazó la oferta.
El disco "More" es un gran olvidado de la banda, como muchos otros discos de comienzos de carrera, y en mi opinión es una pequeña joya que debería redescubrirse; es un ejemplo de creatividad sin control, destacando muy especialmente la labor de Nick Mason, un batería único y poco reconocido que abre aquí su caja de Pandora con ritmos étnicos que acompañan al minimalista paisaje sonoro que dibuja Rick Wright. Si pueden no dejen escapar este disco, extraño para el 90% de los fans del grupo.

"Ummagumma" ve la luz en 1969, un año después que la banda sonora de "More". Es un doble disco grabado la mitad en directo y la mitad en estudio, donde el grupo rompe definitivamente las cuerdas que les ataban a cualquier estilo musical y se lanzan a un nuevo horizonte experimental.
La primera parte son cuatro temas en directo recogido en shows de Birmingham y Manchester durante 1969; esta primera parte contiene los temas "Astronomy Domine", de la época Sydiana, "Careful with that Axe, Eugene", una des sus primeras canciones, aparecida más tarde en el recopilatorio "Relics", bellísima por cierto, ese teclado relajante, el bajo de Waters y sobre todo el acojonante aullido desgarrado a mitad de canción hacen que valga su peso en oro, "Set the controls for the Heart of the Sun" de su sengundo LP, y por último el opus de "A Saucerful of Secrets", de mismo título.
Los 4 temas suenan bastante mejor que los de estudio, debido sin duda a la enorme compenetración que los cuatro miembros de la banda tenían en el escenario por aquel entonces, aportando cada uno su granito de arena en cada canción. Especialmente de mención es "A Saucerful of Secrets", mucho más cargada de energía que su contrapartida en disco.
La segunda parte tiene si cabe mucha más importancia, pues si bien los temas en directo son de la mejor factura no es nada nuevo bajo el Sol, y es en esta segunda parte donde señalo ese "nuevo horizonte experimental". Como si de un contrato entre los cuatro se tratase, "Ummagumma" nos ofrece una pizca de genialidad musical de cada miembro de la banda repartida equitativamente, tocando cada uno todos los instrumentos en sus respectivas canciones (salvo Nick Mason, ya que su mujer Lindy toca la flauta en su parte).
Richard Wright comienza la locura con "Sysyphus", dividida en cuatro partes, reducida casi al cien por cien a teclados, pianos, órganos y sintetizadores. Continua Roger Waters con "Wranchester Meadows" -pieza alejada de los estándares que cultivaba el grupo, pues es una especie de balada folk de altísima composición, recordándome en ciertos momentos a Ry Cooder que, lamentablemente nunca volvió a aparecer en ningún disco- y, atención al nombre, "Several Species Of Small Furry Animals Gathered Together In A Cave And Grooving With A Pict". Joder, esta canción tiene uno de los mejores títulos que he visto nunca, no sé qué coño estaba fumando Waters cuando la compuso, pero desde luego es único y genial, y no menos que la canción, porque bueno, el título es bastante explícito realmente, lo que lees es lo que hay, una composición descriptiva avant-garde donde se intenta hacernos ver esos animales mediante una auténtica cacofonía de mezcla de sonidos de pájaros y demás animales. Estos se consiguieron usando partes de voz humana a distintas velocidades. Rara donde los haya, no les quepa duda, de las canciones más experimentales que hayan hecho nunca Pink Floyd -como anécdota comentar que los Pictos son los primeros pobladores conocidos de Escocia (os sonará a quien haya leído Conan), de donde es Ron Geesin, genial músico y habitual colaborador del grupo, y que hace de Picto en esta canción-.
David Gilmour nos ofrece "The Narrow Part", dividida a su vez en 3 partes, que como era de esperar es una pieza marcada por las partes de guitarra, tanto de parte eléctrica como acústica.
Por último Nick Mason compone y toca "The Grand Vizier's Garden Party Part", en mi opinión la mejor composición de las 4, recordándome en algunos momentos a Kitaro en las partes tranquilas o a Riley Lee con esa flauta tan maravillosa.

Sorprendentemente, pese a ser un disco rompedor en todos los sentidos obtiene un tremendo éxito, el mayor de todos los discos hechos por el grupo hasta el momento, llegando al #5 en Reino Unido y al #70 en los Estados Unidos. Tal fue el éxito que las canciones en directo, pensadas para ser incluídas en el disco y no ser tocadas más, eran pedidas continuamente por el público, haciendo que volviesen otra vez al set-list.

Este soplo de aire fresco permitió a la banda seguir con ese proceso de encontrar nuevos aires musicales, lo que les lleva a grabar en 1970 junto a Ron Geesin el álbum "Atom Heart Mother".
Este disco fue otro paso hacia delante en la carrera de la banda, llegando al #1 en las listas de éxitos británicas, algo que como hemos visto nunca había conseguido el grupo.
La portada del disco nos enseña una vaca -llamada Lulubelle III- mirando al oyente mientras pasta. Esto no tenía nada de extraño, algo raro en una banda donde lo visual era tan importante como la propia música, pero todo ello tenía una razón. El grupo quiso que "Atom Heart Mother" fuese lo más anti-psicodélico posible, y la portada es acorde con esa idea.
El disco original en vinilo tenía una cara en la cual estaba la canción que da título al disco, una composición monumental de 23 minutos grabada junto a orquesta, realmente una pieza difícil de escuchar para alguien que sea un neófito con respecto al grupo, pero a pesar de lo rocambolesco de la canción es una pieza a analizar muy detalladamente si tienen tiempo y ganas, descubrirán que es sensacional.
La otra cara la componían la semibalada "If", la fantasiosa "Summer of 68'" con una notable presencia del piano de Wright y "Fat Old Sun", compuesta por Gilmour, bastante rockerilla y con un solo genial.
"Alan's Psychodelic Breakfast" pone el punto y final al disco, y de la mejor manera. Si durante el resto del vinilo habían escuchado buenas canciones de rock o composiciones cuasi clásicas aquí tenemos el contrapunto bizarro, por cierto mi favorita de todo el álbum. Al igual que en "Several Species of..." el título lo dice todo. Es la mejor canción para empezar un buen día, sólo digo eso. El Alan que tiene ese "desayuno psicodélico" es Alan Stiles, un roadie del grupo, y no Alan Parsons, como mucha gente suele pensar. Brillante a más no poder, esta canción, al igual que todo el disco y el anterior "Ummagumma" nunca fueron del agrado de los miembros en años posteriores, no sé muy bien la razón, y de hecho Roger Waters afirma no haber escuchado estos discos en años y que no los recuerda. Bueno, ellos se los pierden.

Hacia 1971 las cosas marchaban realmente bien para la banda, poseían relativo éxito dentro de su país y estaban en un período creativo y personal realmente bueno, hechos que sin duda afectaron al buen funcionamiento de "Meddle", su próximo trabajo.

"Meddle" es considerado como la culminación de la etapa pre-DSOTM por casi todo el mundo. Es un disco mucho más centrado que los anteriores, menos difuso, con más concepto y organización. Una vuelta a los orígenes, al sonido de "More" o "A Saucerful of Secrets".La innovación sin embargo estaba ahí, pero no es tan exaltada como en etapas anteriores; creo que este disco representa la luz en el camino del grupo, formando parte del 90% del sonido que más tarde daría el DSOTM. Roger Waters lo definió como "el padre y la madre del Dark Side of the Moon" con bastante acierto jajaja.
Todo el disco es una joya, intentaré no meterme en detalles ya que me gustaría realizar una crítica particular suya, sólo recordar una cosa: "Echoes". Punto y miedo.

"Meddle" consigue un meritorio #3 en las listas británicas, manteniendo el éxito contenido de discos anteriores.

En 1972 el grupo edita "Obscured by Clouds", uno de los grandes olvidados de la banda, disco que como ya dijimos forma parte de la banda sonora de la película "La Vallee".
Otro disco para recordar, no es ni de lejos el mejor del grupo, no es tan experimental como "Ummagumma" o "Atom Heart Mother" ni tan divertido y excitante como los 2 primeros, pero sin duda es una grata experiencia para el oído. No defrauda. "The Gold It's In The ..." es una de mis canciones de rock clásico y directo de siempre.

"Obscured by Clouds" llega al #6 en las listas de su país de origen, y consiguen entrar por primera vez en el Top 50 de los USA, algo importantísimo para ellos en aquella época pero ni punto de comparación con lo que se avecinaba.

1973, fecha de lanzamiento del "Dark Side of the Moon".

El Disco

1973 fue uno de los mejores años de la historia del rock, eso es indudable. Discos de la talla de "1990" por The Temptations, "Band on the Run" de la banda de Paul McCartney, el "Vol.4" de Black Sabbath, "Billion Dollar Babies" de Alice Cooper, "Larks' Tongues in Aspic" de King Crimson, "The Captain and Me" de los Doobie Brothers, "Quadrophenia" de The Who, "Houses of the Holy" de Led Zeppelin o "Yeah" de Brownsville Station fueron todos compuestos durante este año. La perfección del rock, no hay duda.
Para explicar este éxito creativo debemos mirar unos cuantos años atrás. La época hippie de excesos había pasado atrás hace unos cuantos años, y el control sobre las composiciones, el propios sonido y los instrumentos comienzan a jugar un papel realmente importante en las canciones de los grupos de la época; ya no bastaba un jam "ácido" de 10 minutos ala Iron Butterfly en "In a Gadda da Vida" o Ten Years After en "I'm Going Home" para hacer de una canción una experiencia mística. Ahora entraba en juego todo el peso de los nuevos sonidos que se estaban desarrollando por la época, y que los grupos comenzaban tímidamente a explotar. Un ejemplo de ello es "Baba O' Riley" (1971) de The Who y "Echoes" (1971) de Pink Floyd, primeras canciones en usar el sintetizador VCS3 de Zinovieff, usado después innumerables veces durante los años 70.
King Crimson ya había adelantado este proceso en 1969 con su "Court of the Crimson King", abriendo un nuevo mundo de posibilidades al rock, mezclando música clásica y jazz con toda la parafernalia estética del rock. La veda del art-rock o rock progresivo como ahora lo conocemos estaba abierta.

"Dark Side of the Moon" nace por suerte o por desgracia en esta época tan fecunda de buen rock, con muchas de las mejores bandas de rock de la historia haciendo los que serían a la postre sus mejores trabajos, contribuyendo quizás con sus nuevos sonidos a la creación de esta obra de arte.

El disco fue grabado entre Junio de 1972 y Enero de 1973 en los estudios Abbey Road de Londres con el nuevo 16 pistas instalado allí ese mismo año. En un primer momento el disco se llamaba "Eclipse", pero se cambió a como lo conocemos hoy día, a pesar de que la banda Medicine Head había grabado un disco con el mismo título algo antes.
El ingeniero de sonido fue ni más ni menos que Alan Parsons, considerado una leyenda ya incluso por aquella época al haber grabado con The Beatles el penúltimo disco de la banda, el conocido "Abbey Road", pero es con este disco donde entra forma su reputación de genio del sonido, ganando incluso un grammy (el único por cierto que se llevaría "DSOTM") al mejor sonido, y propiciando su carrera en solitario, de tanto éxito como la de ingeniero o incluso más.
El principal acierto de Alan así como del grupo en general fue conseguir montar encima de unas sólidas canciones todo unos arreglos y técnicas que complementan y cohesionan el disco. Alan siempre afirmó respecto a esto que los Pink Floyd eran unos auténticos amantes de las nuevas tecnologías, y que cogían todo lo que hubiese en el estudio para experimentar con ello, quedando al final el estudio lleno de una maraña de cables impenetrable.
Estas nuevas técnicas y la genialidad de Alan Parson consiguen crear una producción impecable, cristalina, muy pocas veces superada. No es extrañar que este ejemplo de nuevas tecnologías fuese utilizado por EMI para sacar el primer disco en formato CD de la compañía, siendo uno de los primeros álbumes en salir del formato vinilo/cassette. Además cientos de freaks del sonido utilizan este disco para probar sus equipos de última generación, lo que dice mucho en favor del sonido mágico que consiguieron Alan y PF.

En un principio este disco iba a suponer una continuación de lo conseguido hasta el "Meddle", que no era poco, pero nunca jamás imaginaron la repercusión que tendría este compacto.
Antes de entrar con datos mareantes está la pregunta que cientos de críticos musicales y fans se han hecho durante años. ¿Porqué? ¿Porqué "DSOTM" y no "Meddle" o "Ummagumma"? ¿Qué supuso este disco para que rompa la cuadriculada conciencia colectiva y sea aclamado como ningún otro? "Dark Side of the Moon" no supone ningún cambio drástico respecto a lo que era su último disco, no fue una nueva manera de hacer música. Es cierto que proponía un sonido radical para la época, las últimas novedades tecnológicas y una producción cristalina como pocas, pero todo ello ya se había adelantado uno o dos años antes por ellos mismos.
No hay una respuesta clara para estas preguntas, pero quizás esta se encuentre en vagas generalidades, en la repercusión, en el conjunto y en la experiencia. Quizás significó tanto para tanta gente en cuanto que era un disco que buscaba las emociones humanas, pero sin embargo también era un disco repleto de música complicada, de melodías sincronizadas, de multitud de efectos electrónicos. Esta aparente contradicción puede que sea una clave de ese éxito.
Era algo especial. Cuando Roger Waters puso el disco por primera vez a su mujer para que esta le diese su opinión esta rompió a llorar nada más terminar de escucharlo. Fue ahí cuando supo que habían encontrado lo que tanto estaban buscando.
Ese sentimiento como ya he dicho estaba lleno de complejidad y de innovaciones técnicas, lo que puede explicar por otra parte que, a diferencia de muchos otros discos este nunca se haya quedado anticuado con el paso de los años y haya servido siempre de inspiraciones para generaciones venideras, sin importar del tipo que fueran. Cuando la música dance encontró su hueco y explotó durante los años 90, a partir de ello todo lo anterior se consideró anticuado, no era nada con lo que se pudiese comparar anteriormente. Sin embargo cientos de artistas de aquella ola electrónica que inundaba el universo musical aclamaban a Pink Floyd y en especial a este "Dark Side of the Moon" como una influencia primordial. Un ejemplo de ello son los archiconocidos Shamen, que proclamaron que este disco había sido siempre una fuente enorme de inspiración. Muchos críticos afirman que el Acid House procede de esas texturas del sintetizador Moog de grupos como Pink Floyd y Tangerine Dream, que han visto sus sonidos usados infinidad de veces en sesiones House. Entre los numerosos discos tributo que existen en el mercado hay varios de ellos hechos por músicos de la escena electrónica o industrial. Mi favorito es sin duda "A Saucerful of Pink" -el cual contiene, por cierto, una canción de Ron Geesin titulada "To Roger Waters, wherever you are" bastante explícita-.
No sólo ha sido objeto de estudio y de inspiración para la música electrónica; grupos como Radiohead ofrecían un brillante contrapunto al britpop con discos como OK Computer, reconocido por los críticos como obra maestra deudora del "Dark Side of the Moon" en muchos aspectos.
Esta influencia repetida durante los más de 30 años que tiene el disco ha hecho que siempre se recurra a él, y que fans de nuevas tendencias se acerquen a las influencias de sus artistas preferidos, encontrando una y otra vez a Pink Floyd entre ellas.
Otra de las posibles respuestas es la compenetración que existía por entonces entre los miembros de la banda, esa "democracia" que llamo yo. Los 4 miembros eran por aquel entonces muy amigos -se habla también de auténtico "romance" (en el sentido artístico) entre Roger Waters y David Gilmour, todos aportaban algo a las canciones y ese proceso creativo entre 4 limaba cualquier error que pudiese surgir, pues discutían hasta la saciedad todas las canciones hasta que quedaban al gusto de todos ellos. Antes también eran muy amigos, pero la diferencia fundamental entre esta época y la anterior es que ahora todos ellos salvo David Gilmour tenían esposa y/o hijos, eran realmente gente ya madura y profesional que hacían discos acordes a esa visión, no eran tan alocados ni difusos como hace años, ahora tenían método, tenían un objetivo, un concepto y lo aplicaban al disco, consiguiendo una homogeneidad aplastante. Cuando escucheis el disco vereis que todas las canciones se complementan entre sí, son como continuaciones naturales de la anterior, es a lo que me refiero cuando digo homogeneidad.
Es esa temática quizás lo que haga del disco algo tan intrigante. Estamos en los 70, cuna de las óperas rock y los discos conceptuales. Los discos de esa época eran DISCOS, la diferencia entre estos y los que se destilan ahora es que no eran solamente un cúmulo de canciones una detrás de otra, eran compactos, eran homogeneos, esa diferencia es fundamental.
La otra gran causa puede ser la experiencia. A pesar de que el disco fue grabado a mediados de 1972-73 el concepto llevaba ya un par de años funcionando. Se comenzó a escribir en 1971, tal adelantamiento en su concepción fue debido al cansancio, al tedio, al aburrimiento que sentían varios de los miembros con la música que estaban haciendo. Roger Waters afirmaba estar "aburrido con la música que tocamos", y Richard Wright llega más lejos: "Me estaba muriendo de aburrimiento".
Así que las canciones del nuevo disco fueron presentadas antes en directo, con lo cual en el momento de la grabación todos ellos las conocían a la perfección y podían ver claramente sus puntos fuertes/puntos flacos. Naturalmente y como bien explicó David Gilmour en su momento, esto no podría hacerse ahora porque inmediatamente saldrían bootlegs hasta debajo de las piedras, pero en aquella época era una excelente manera de mejorar las canciones para un futuro disco, puliéndolas hasta que alcanzasen la forma deseada. De hecho el inicio de "Time" en su época era mucho más lento que en el disco, pero iba subiendo de revoluciones exponencialmente hasta
Necesitaban una nueva visión musical, mucho más compacta y cohesionada, y como ya he explicado parece que encontraron esa visión en el "Meddle", fundamentalmente en la canción "Echoes", que consideran un paso en la buena dirección.

Las espectativas sobre el disco eran bajas; El grupo tenía muy poca confianza en el éxito del nuevo disco, principalmente porque ninguno de los 7 anteriores había podido siquiera acercarse a los puestos medios de las listas de venta estadounidenses, mucho menos a las primeras posiciones, llegando tan sólo al puesto cuarenta y tantos -de 50- con "Obscured by Clouds".
Waters bromeaba al respecto diciendo que si hubieran sabido que iba a vender tan solo una millonesima parte de lo que logró vender hubiesen "bailado desnudos alrededor del Lincoln Memorial". Bueno, quizás eso hubiese ayudado incluso más.
Pero lo cierto es que la empresa discográfica (Capitol/EMI) no había preparado ningún plan de marketing para su entrada en Estados Unidos, así que no hicieron nada para el lanzamiento del disco, pero como se demostraría más tarde "DSOTM" no lo necesitaba ni mucho menos.
En realidad no es del todo cierto, no hubo ningún plan de márketing de promoción del nuevo disco, pero la compañía había limpiado el camino para la entrada del grupo en los USA poniendo dinero promocionándoles por primera vez en el país del tío Sam años antes de la salida del álbum.

La suerte estaba echada, y en su primera semana en la calle el disco entró sorprendentemente al #1 en los estados unidos, pero fue tan sólo un espejismo, manteniéndose 1 semana en el puesto de honor (28 de Abril, 1973). Sin embargo en casa no tuvieron tanta suerte, y el disco nunca llegó al #1 en las listas.
Aun así auguraba una buena base para una futura gira por EEUU según pensaban la mayoría de los analistas y miembros de la propia banda.

Las críticas fueron bastante positivas, pero se percibia una especie de recelo respecto al disco, algo que no eran capaces de describir. Algunos lo llamaron exceso de efectos, atmósfera recargada, post-barroquismo y mucha otra clase de tecnicismos, pero ninguno era realmente descriptivo del sonido que estaban escuchando. Los sentimientos estaban ahí, habían calado, eso estaba claro. La revista Rolling Stone en su edición del 24 de Mayo de 1973 lo define como
un -y usa grandiosidad para describir lo que puse en la línea anterior- "buen álbum con una textura y concepto ricos que no sólo invita, sino que demanda una participación del oyente. Hay una cierta grandiosidad en el disco que excede los meros melodramas musicales y que rara vez es intentado en el mundo del rock. Pink Floyd tienen un "flash" - un verdadero "flash" que viene de la excelencia de una composición y una coreografía magnífica entre los miembros".
La calidad del disco y la técnica utilizada como hemos visto están fuera de toda duda, pero está ese "algo" que escapaba a la categorización de los idólatras de conceptos llamados "críticos" (entre comillas, claro) musicales.
Es ese "algo" lo que intentaré dar a entender en la crítica posterior, labor casi imposible, porque seguramente sea diferente en cada oyente. Parece que la piedra filosofal se encontró por casualidad, una especie de serendipia por parte de la banda, que no creyó en un principio en la posibilidad del éxito.

Pero supongo que el éxito cuanto más sorpresivo, mejor. En un principio los compradores del disco fueron los fieles seguidores de la banda, en general personas con altos conocimientos musicales y de alto nivel cultural, aficionados al rock progresivo de la época, que por aquel entonces eran (lamentablemente) mucho más numerosos que ahora. Esto parece explicar las vendas relativamente normales del disco en sus primeras semanas.
El disco fue idolatrado desde sus inicios tanto por esa base de fans antigua del grupo como por los nuevos oyentes que se aventuraban a escucharlo. El boca a boca funcionó a las mil maravillas, y es que cuando algo es verdaderamente grande es imposible mantenerse ajeno aunque se intente. No se necesitó ningún marketing al fin y al cabo, ya que las ventas fueron creciendo ex-nihilo a partir de ese boca a boca.
Y aquí viene el rollo mareante, delirante, casi ridículo, de ciencia ficción. A partir de su lanzamiento en marzo de 1973 se mantuvo en el top 75 estadounidense la asombrosa cifra de 341 semanas seguidas, y a día de hoy todavía reaparece casi todos los años en las fechas de registro de discos, alcanzando por ejemplo el número 72 en 1998.
Pero eso no es lo más impresionante: "Dark Side of the Moon" se mantuvo en el Billboard 200, la más conocida lista de éxitos del mundo...¡¡¡741 semanas!!! (es decir, más de 14 años), récord jamás igualado y dificilmente igualable -mejorando el anterior récord de Johnny Mathis y rompiendo en su lanzamiento los más de 6 años que llevaba Carole King en las listas-, y lo más asombroso de todo, manteniéndose allí la acojonante cifra de 591 semanas consecutivas (desde 1976 a 1987). Finalmente cayó el 23 de Abril de 1988, tras lo cual Billboard impuso la regla de que cualquier disco que saliese de las listas ya no podía volver a entrar, impidiendo una reentrada que con seguridad se hubiese producido.
En 1991 volvió a entrar en las listas, esta vez tras la creación del catálogo Pop de Billboard, una lista que muestra los discos de más de 2 años que han salido de las listas de Billboard 200 y del Top Pop, y las semanas que llevan en ellas sumadas a las de esta lista, y ¿adivinan qué? Se colocó directamente en el #1, permaneciendo a fecha de hoy casi todo este tiempo, y no saliendo apenas del Top 10 en estos 16 años.
Más curiosidades: en octubre del 2001 de acuerdo con Billboard el disco celebraba las (cojo aire) 1281 semanas que llevaba en las listas, tanto en las de Billboard 200 como en las del catálogo Pop, lo que equivalen a unos 25 años. El segundo disco es el "Greatest Hits" de James Taylor, que lleva "tan sólo" (manda huevos) 573 semanas, así que le quedaban más de 13 años para alcanzar al "DSOTM", que bueno, todavía sigue ahí, así que ya son 17 años ^^
Esto aún no ha acabado, no, las cifras ridículas siguen danzando. "Dark Side of the Moon" es a fecha de hoy (2005) el segundo disco más vendido de la historia, con más de 35 millones de unidades vendidas en todo el mundo, alcanzando hace apenas unos años al "Rumors" de Fleetwood Mac y a la banda sonora de "Fiebre de sábado noche" con la reedición en 2003 del disco por el 30º aniversario, y sólo es superado por el "Thriller" de Michael Jackson.
El disco vende en la actualidad más de 1 millón de copias al año, que ya es decir, más que el 90% de los artistas en toda su carrera, se dice que una de cada 14 personas menores de 50 años tienen este disco, que ya es decir.
Como última curiosidad añadir que había una leyenda urbana que afirmaba que EMI poseía una fábrica entera que sólo sacaba copias del "Dark Side of the Moon". No creo que sea cierto, pero tiene su gracia.
Eso en cuanto al disco, que si fuera por la banda en general todavía habría más, mucho más, pero no quiero ya aburrir con números -¡¡porque quiero aburrir con otras cosas!!-

Todo esto parece casi de broma, no hay forma humana de explicar este fenómeno salvo reconociendo que es un disco capaz de llegar a cualquier persona con un par de escuchas, ya seas un estudiante de la Berklee que analice palmo a palmo el disco como un abogado que quiera pasar un buen rato en su casa. Un ejemplo de esto es que durante los 70 "DSOTM" era el disco con más éxito en los shows de striptease de Amsterdan. Conocido es también por ser un disco mítico para los amantes de las drogas blandas, junto a otros del calibre de "Ricochet" de Tangerine Dream, "Electric Ladyland" de Jimi Hendrix o el "Köln Concert" de Keith Jarret.

Es uno de esos álbumes que cuanto más lo escuchas más cosas encuentras, es realmente infinito, os lo aseguro.

Dicho esto me meto ya en la crítica con una frase propia de marca de tabaco: "¡35 millones de fans no pueden estar equivocados!"

Crítica personal de "Dark Side of the Moon"

La crítica a diferencia de los demás apartados es algo improvisado que hago en el momento, como si fuese un pintor dadaísta de principios de siglo: escucho el disco y a la vez voy escribiendo lo que me va transmitiendo y lo que sé de cada una de las canciones. Por tanto puede que lo que tú escuches sea muy diferente a lo que yo escucho por la multiplicidad de formas de entender este disco, pero creo que no se puede hacer de mejor manera que esta. Las letras son también subjetivas, yo aquí expongo lo que significan para mí, pero mejor intentar encontrar cada uno un significado diferente.

"Speak to Me - Breathe" (en el original están siempre juntas). Uno de los inicios más conocidos de la historia de la música. Se ponen ya de manifiesto algunas palabras clave del disco y sus temas. Suenan los relojes (el tiempo), las máquinas tragaperras (el dinero), la voz apenas audible de Chris Adamson, -el road manager de PF por aquella época- diciendo: ""I've been mad for fucking years, absolutely years, been over the edge for yonks, been working me buns off for bands..." y más tarde la de Jerry Driscoll, el portero de los estudios Abbey Road: I've always been mad. I know I've been mad like the most of us have...".
Está también el sonido más intrigante de todos, y el más reconocible de todos ellos: el sonido de un corazón humano, sonido que se repetirá a lo largo del disco, aun cuando muchas veces sea difícil de escuchar (el sonido del corazón en ralidad no es tal, es un loop de batería pasado a través de muchas cintas consiguiendo un sonido realmente cutre pero que funciona a las mil maravillas).
Se une la risa pandemónica de Peter 'Puddy' Wattsa (la locura) a este collage cacofónico, y más tarde la increíble voz de Clare Torry (vida y muerte), llegando al clímax y dejando que sea ahora la música la que hable por sí misma.
"Breathe" es una canción mágica desde el primer downbeat, y podemos ver claramente toda la complejidad compositiva de la que he hablado cientos de veces antes. La guitarra slide de David y el sonido Leslie también de la guitarra de Gilmour proporcionan una atmósfera totalmente espacial, es pura fantasía. Lo mejor de todo sin duda es la batería de Nick Mason. ¡Aaaah cuánto admiro yo a este hombre! Es un músico con una técnica excepcional, totalmente limpia, pero que sin embargo no busca ningún protagonismo innecesario, símplemente sigue la música, he ahí su grandeza. La producción es a la antigua usanza, la batería suena suave, es pura, es real, un auténtico soplo de aire fresco en comparación al sonido tan duro de los años 80. Realmente puedes oír cada instrumento, hay una armonía total entre ellos, si te fijas en uno puedes ver perfectamente el dibujo musical que traza, marchando a su aire pero, aunque suene contradictorio, siempre presente en la estructura de la canción, dándole una capa más a esa rica textura.
El bajo de Roger Waters es siempre fuerte, potente, e increiblemente creativo. Como ya veremos a lo largo del disco es una de las piezas principales de este ajedrez.
Las voces de Gilmour son una delicia, suena casi poético, como el propio grupo reconoce sólo él podía haber cantado esta canción, su tono de voz encaja como anillo al dedo con la música.
Sin embargo son las letras las que marcan la diferencia. Sin el mago letrista Syd Barrett en la nave, Roger Waters tomó la acertada decisión de ocuparse él de ellas, pues era claramente el más dotado, y aquí se ve el porqué. Yo nunca he sido un gran aficionado a las letras de las canciones, siempre escuché la música y punto, pero aquí es una de las pocas veces donde hago una excepción. Es una letra muy abierta y simple, para que todo el mundo la pudiese entender a la perfección y asimilarla igual de rápido. Paradójicamente esto hace que sea más compleja, porque al no dar nada por hecho se crea siempre una opinión personal sobre ellas. El grupo deja al oyente que formule sus propias preguntas y respuestas de manera creativa, por eso a lo largo de los años ha habido un montón de interpretaciones sobre cada canción de este disco. Ahí radica la fuerza letrística del "DSOTM".

Breathe, breathe in the air.
Don't be afraid to care.

Estos primeros versos eran un toque de atención para el propio Roger Waters, pero también para todas las demás personas. Nos dice que no temamos tomar las riendas de nuestro camino,de ser coherentes con lo que queremos hacer, con nuestro pathos interior.

Long you live and high you fly
And smiles you'll give and tears you'll cry
And all you touch and all you see
Is all your life will ever be

Esta estrofa es de carácter completamente vitalista, a diferencia de lo que mucha gente cree. Roger Waters nos invita a dar lo máximo que podamos de la vida, porque todas nuestras acciones, todo lo que hagamos en esta carrera será lo único que nos quede. Quien realmente vive es quien toma las riendas de su propia vida:

for long you live and high you fly
but only if you ride the tide

Hay que escapar de la banalidad de la vida corriente. Una vida relajada, sin tomar riesgos, una vida sedentaria nos lleva a una muerte temprana, como dice la frase siguiente:

And balanced on the biggest wave
You race towards an early grave.

La canción enlaza perfectamente con la siguiente, "On the Run", una pieza electrónica psicodélica hecha con el VCS3 y un secuenciador. Consiste en una secuencia que se va repitiendo una y otra vez. El "click" que se oye a veces no es más que el reciclaje de la secuencia, pero como el mismo grupo admitió queda francamente bien. El sonido de ssssshhhhh que se escucha durante toda la canción es un oscilador acoplado al VCS3.
No hay voces en la canción, sólo el sonido de una voz que retransmite los horarios de avión en un aeropuerto y luego la frase del road manager del grupo Roger The Hat diciendo: "Live for today, gone tomorrow. Thats me" y una risa de auténtico maníaco. Se pueden escuchar también los sonidos de unas pisadas, de un hombre corriendo, como siendo perseguido.
Todo ello representa la locura, la paranoia de la vida moderna, de ese stress de tener que vivir a toda prisa, corriendo sin parar mientras toda la urbe nos persigue y nos asalta con mensajes de todo tipo. Es una sensación de agobio, de opresión, una visión de la vida cosmopolita más del tipo de Lorca en "Poeta en Nueva York" que del de Frasier, no sé si me entienden. No es la primera vez que Roger Waters representa la palabra paranoia con "On the Run", en la canción "Free Tour"del anterior disco "Obscured by Clouds" ya lo deja bastante claro.
Por último se escucha una explosión, que nos lleva a....

El tiempo. "Time". ¿Han visto la película basada en el libro de Michael Ende "Momo"? Bueno, pues hay una escena en la que Momo está en la casa del maestro hora, con cientos y cientos de relojes que poseen el tiempo de las personas. Un tic tac constante y preciso que es dueño de nuestras vidas, y que nos va ahogando cada segundo un poco más.
Esto es lo que vemos aquí. Suavemente el tic tac de los relojes se va convirtiendo en ruidosa cacofonía cuando dan en punto. Relojes de pared, de cuco, de mano y hasta un metrónomo nos van señalando el curso de nuestras horas, el devenir del tiempo que nos va acercando lenta pero inexorablemente hacia la tumba.
Un acorde suena potente. Se va apagando en la distancia, el tiempo lo consume.
Se introduce la batería de Nick Mason en uno de los inicios de batería más maravillosos que he oído nunca -incluso algo mejor que "Stargazers" de Rainbow, ahí queda eso-, es impresionante verlo sobre todo en directo, cuando se apagan las luces y el músico toca con unas baquetas iluminadas, produciendo un efecto visual acojonante. Ese sonido tan especial de batería lo producen los llamados Rototoms, unos tambores de efectos sin profundidad de diferentes que se afinan de manera especial, mediante el giro de los tambores, y los puedes poner en agudos, graves, medios, medios bajos...Esto le da un enorme cromatismo a la batería. La grabación con los Rototoms fue especialmente difícil ya que tenían que ser afinados con cada cambio de acorde, pero hay que reconocer que el sonido es precioso y que sin duda mereció la pena.
Durante más de dos minutos y medio la batería juega alrededor de los acordes, producidos aunque no lo parezca por el VCS3 -el click de las dos notas que lo precede es del bajo Stratocaster de Waters-. Richard Wright colorea aún más este espectacular inicio con una figura solista que se queda en la distancia, deja el protagonismo a la batería, pero jugando en su propio campo.
A finales de los años 70 y durante los años 80 era prácticamente imposible ir a una tienda de música/electrónica sin que se usase este principio de "Time" para probar los equipos. Creo que es bastante revelador.
No se le puede pedir más a esta canción, este comienzo es pura fantasía, pero aún queda lo mejor.
La canción explota alrededor del minuto dos y medio, donde entra la voz y la guitarra de Dave Gilmour con una de las frases más famosas de la historia del rock y que casi todo el mundo conocerá:

Ticking away the moments that make up a dull day
You fritter and waste the hours in an offhand way
Kicking around on a piece of ground in your home town
Waiting for someone or something to show you the way

La letra es bien clara y directa. Es como una continuación de "Breathe". No pierdas el tiempo, no malgastes las horas, no esperes a que alguien te diga lo que tienes que hacer, vive el ahora porque es lo único que tienes, no hay una vida futura, no hay un más allá donde dispongas de más tiempo. "Time" es una especie de carpe diem moderno en el que se nos invita a aprovechar el momento y rehuir de esperanzas fugaces del mañana.

Tired of lying in the sunshine
Staying home to watch the rain
And you are young and life is long
And there is time to kill today
And then one day you find
Ten years have got behind you
No one told you when to run
You missed the starting gun

Collige, Virgo, Rosas. Creo que está bastante claro. ¿Porqué aprovechar el momento? ¡Tenemos tiempo para hacer lo que queramos! Mañana será otro día...Son estos pensamientos los que nos desgastan, piensas esto ahora, pero llegará un momento en que te encuentres con que has perdido la mitad de tu vida y ya no se puede recuperar, era un ticket sólo de ida. Genial es la frase de "te perdiste el disparo de salida", pienso que lo dice todo.

Hay en todo momento un juego entre los 4 miembros de la banda, creo que es lo que produce tal sensación de inmersión dentro de la canción. Fue compuesta por los cuatro músicos y creo que se ve bastante bien esa contribución de cada uno.
Richard Wright con el piano eléctrico es el que le da el aire jazzístico ala Chick Corea, un piano juguetón en todo momento, aportando también su granito a las voces. Sin embargo es Gilmour quien pone toda la fuerza a la canción, y donde mejor se puede ver esto es en el -silencio- SOLO.

Este solo merece un capítulo aparte. Pienso que es el mejor solo que ha hecho nunca Pink Floyd sólo detrás de "Comfortably Numb" y uno de los mejores que ha hecho cualquier grupo. Al igual que aquel de "Comfortably Numb", este solo es fuerza, creo que es lo que mejor lo describe, arranca al oyente del asiento con el poderío que sólo pueden conseguir los guitarristas fuera de serie. Pocos solos hay que me transmitan tanta emoción y tanto sentimiento como el solo de "Time". Entre ellos estaría el de "Whole Lotta Rosie" de AC/DC, "Hounds" de Savatage, "Tunnel of Love" de Dire Straits, "Get your own way" de Fleetwood Mac y yo creo que pocos más. Siempre se me ponen los pelos de punta cuando escucho este solo, y antes de que suene subo el volumen un poco para poder maravillarme otra vez ante tanta genialidad. No hay palabras, es poderío desatado, bellísimo. Todos los solos del disco fueron improvisados en el momento de grabación, lo que le da incluso más toque de genio a este guitarrista. Me quito el sombrero.

El coro de voces femeninas acompaña ahora a la guitarra que se va apagando también poco a poco, como un pez fuera del agua que se afana por respirar.
También está, y aunque a lo mejor no os hayais dado cuenta hasta el momento, los latidos del corazón, siempre escondidos pero presentes en casi todas las canciones.

And you run, and you run to catch up with the sun, but it's sinking
Racing around to come up behind you again
The sun is the same in a relative way, but you're older
Shorter of breath and one day closer to death

Preciosas metáforas de Roger Waters, "Racing around to come up behind you again" me recuerda a un cuadro en el que hay varias fichas de dominó puestas de manera circular, y cada una de ellas es también un gangster con una Thompson de los años 20 que va disparando al de delante para acabar muerto por el de atrás. Se asemeja también al tiempo circular de Heráclito, pero de una manera más existencial. Intentas vencer al tiempo en una carrera que estás destinado a perder, cuando cruzas la meta por detrás de ti mismo.
El Sol es el mismo de una manera relativa se puede interpretar como que el Sol tiene mucho más tiempo de vida que nosotros y por ello es el mismo pero realmente no es el mismo, porque el tiempo también hace mella en él aunque no podamos observarlo, y también es un juego con la teoría de la relatividad de Einstein, donde la no linealidad del espacio y el tiempo juegan un papel realmente importante. El grupo siempre estuvo intrigado por los descubrimientos de la ciencia, en especial los de la nueva física cuántica y moderna, que les parecían -al igual que a muchos otros artistas como Dalí- de gran belleza visual.
Bueno, creo que toda la letra es bastante clara, pero está rodeada de metáforas que no me gustaría dejar de poner, así que aquí va el resto de la letra. Para mí la mejor letra de todo el disco y de toda la discografía de Pink Floyd. Siempre hay de dónde sacar.

Every year is getting shorter
Never seem to find the time
Plans that either come to nought
Or half a page of scribbled lines
Hanging on in quiet desparation is the English way
The time is gone
The song is over
Thought I'd something more to say

Home, home again
I like to be here when I can
When I come home cold and tired
It's good to warm my bones beside the fire
Far away across the field
The tolling of the iron bell
Calls the faithful to their knees
To hear the softly spoken magic spells

La canción se ha acabado, creí que tenía algo más que decir. Qué razón tiene.

La canción se apaga entra "The Great Gig in the Sky". El piano de Richard Wright es aquí el amo y señor. Lentamente nos introduce con una progresión de acordes en la mañana -¿o será el atardecer? ¿serán los dos?-, cargado de melancolía y de pesar, pero también de esperanza, los rayos de Sol que se asoman. A su lado está la slide guitar de Dave, que como ocurre en la totalidad del disco sólo mece suavemente al instrumento protagonista en ese momento.

And I am not frightened of dying, any time will do, I
don't mind. Why should I be frightened of dying?
There's no reason for it, you've gotta go sometime

If you can hear this whispering you are dying

I never said I was frightened of dying (esta última frase apenas si es audible, lo dice Puddy Watts en el minuto 3:35 y no Clare Torry como se tiende a creer).

El miedo a la muerte. ¿Quién no ha pensado nunca en eso? La muerte es el final de la canción, ya dijiste todo lo que tenías que decir, se acerca el momento, apagad las luces.
La "letra" es totalmente positivista, no hay que temer a la muerte porque está emparentada con la vida, son dos caras de la misma moneda. Pienso que la canción es sobre la vida y la muerte en general, pero si nos acercamos con lupa vemos que en ella está la alegría, la tristeza, la furia, la frustración, el miedo, la excitación y todos los sentimientos que podamos pensar. No necesita ninguna letra para conseguirlo, sólo una voz que siente, que expresa cientos de emociones sin tener que decir nada.
Hay más en esta canción que en un disco entero. Musicalmente creo que es la canción más bella de todas, una canción que te atrapa y de la cual nunca te cansas. Yo siempre que suena me relajo, dejo de pensar y de hacer y simplemente escucho; lo mejor.

Tras este minuto de "introducción" la batería se acopla al ambiente y la guitarra slide de Dave sube al cielo para ver el gran concierto que allí se está preparando: la improvisación orgásmica de Clare Torry comienza.

Hago un inciso para comentar que el grupo en un principio no tenía la idea de meter una voz femenina, pero Roger Waters pensó que la incorporación de esta daría un toque más variado a la canción -qué razón tenía-. Fue como diría luego Waters una "feliz coincidencia". Con cosas como estas es cuando me refiero a la serendipia del grupo, que debía tener algo así como una estrella guiándoles cual reyes magos.
Fue Alan Parsons quien recomendó a Clare Torry para que cantase, pues ya había trabajado con ella para unas sesiones anteriores. Clare trabajaba para el staff de EMI escribiendo canciones, y acababa de empezar a hacer sesiones vocales, así que cuando la llamaron para hacer una para Pink Floyd aceptó inmediatamente.
Empezó a cantar algunas cosas, pero rápidamente el grupo la pidió que parase. No era lo que querían. Supongo que Clare se quedó sorprendida cuando la banda la pidió no que cantase unas letras sino que improvisase sobre los acordes de Richard Wright sin letra ninguna, sólo con modulación de voz. Así que eso fue lo que hizo, y el grupo se quedó anonadado con la calidad que tenía Clare. Quedó mucho mejor de lo que ellos habían siquiera imaginado, porque realmente no tenían una idea clara de lo que querían, y la sorpresa fue mayúscula, aunque Clare siempre creyó que la banda se había aburrido soberanamente en las sesiones y que su participación nunca vería la luz del día.
Lo gracioso de todo el tema es que Clare tampoco tenía ninguna fe en este disco, como casi nadie en un principio, así que en vez de poner un copyright a su voz en esta canción -ahora mismo sería multimillonaria- cobró a la banda una factura de tan sólo £30 (en realidad serían £15 pero al ser domingo les cobró el doble). Si yo fuese ella ahora mismo me estaría dando de leches contra la pared, y supongo que es lo que estará haciendo ahora mismo.

Lo dicho, casi 4 minutos de improvisación vocal que os dejarán paralizados. Divino, simple y llanamente.

Descendemos ahora del cielo para meternos de lleno en lo humano, demasiado humano que diría Nietzsche: en la opulencia, el buen vivir, el vicio, el odio, la avaricia...Efectivamente, estamos en el riff de bajo más famoso de siempre -empatada quizás con el de "Another One Bites the Dust" de Queen-. En un proceso que siempre ocurre igual, si pones esta canción en cualquier lugar lleno de gente automáticamente empezarán a mover los pies al son del bajo, no falla.
Y quizás ese sea el único problema de este disco, que como muchas veces se ha hecho, el 99% de la gente de hoy en día sólo conoce esta canción. Es la injusticia de los singles. Si a alguien le dices Dire Straits dirá "Sultans of Swing", si les preguntas por Europe dirán "The final countdown", Santana es "Europa", y así con todo. "Money" es una genial canción, al nivel de todas las demás en el disco, pero lo que falla no es la canción en sí, sino lo que ya he dicho antes, que se tiende a separar esta pieza del disco entero -muchas gracias, radio fórmulas-. Mucha gente piensa que esta canción es extraña a la atmósfera del "DSOTM", pero no es así de ningún modo, es que la canción ha alcanzado un status propio y se ve como extraña en la estructura del disco.

Fue esta canción casi en su totalidad la que llevó a Pink Floyd al mainstream más absoluto, y provocando unos años más tarde el hastío de Roger Waters ante la incultura de sus ahora nuevos fans -negándose a tocar en estadios-, de la trivialización de su música y de la industria musical en general, creando en 1979 "The Wall", obra donde se desnuda ante el público y ataca con fuerza este y otros temas -irónicamente "Another brick in the wall pt.2" también sufre este proceso--

Pero volvamos a la canción. "Money" como es obvio trata el tema del dinero y de la corrupción y avaricia que va implícito al dinero -otra ironía de la vida es que "Money", que habla de las malas cosas que puede producir el dinero les reportó al grupo ingestas cantidades de él-. Roger Waters es realmente crítico con la sociedad capitalista del momento, y ampliará este tema enormemente en el disco de 1977 "Animals", especialmente con el tema "Dogs".
De la mordaz letra me quedo sobre todo con esta frase: "Share it fairly but don't take a slice of my pie". Jajajaja ¿no es esa la hipocresía que vemos todos los días? Sí sí, tú reparte bien, reparte justamente, pero como me quites un trozo de mi pastel juro que te mato.
Pongo de todas maneras toda la letra porque no tiene desperdicio:

Money, get away.
Get a good job with good pay and you're okay.
Money, it's a gas.
Grab that cash with both hands and make a stash.
New car, caviar, four star daydream,
Think I'll buy me a football team.

Money, get back.
I'm all right Jack keep your hands off of my stack.
Money, it's a hit.
Don't give me that do goody good bullshit.
I'm in the high-fidelity first class traveling set
And I think I need a Lear jet.

Money, it's a crime.
Share it fairly but don't take a slice of my pie.
Money, so they say
Is the root of all evil today.
But if you ask for a raise it's no surprise that they're
giving none away

La composición instrumental es también de chapeau. Consiste en un piano Wurlitzer pasado a través de un Wah Wah, el bajo, la batería y una guitarra con tremolo, que produce ese sonido tan característico (del cual mejor no intento una onomatopeya porque quedaría penoso jajaja).
Lo mejor sin duda de todo es la inclusión de un saxofonista (Dick Parry) para hacer un solo, pues el grupo quería experimentar con nuevos sonidos, y esa experimentación quedó a la postre como pieza reconocible para calquier fan de la banda, es "el solo" de saxo de "Money", vamos. Recuerdo estar viendo el DVD de Roger Waters "In the Flesh" cuando van a hacer un concierto, creo que en una base aerea o algo por el estilo, y en vez de contratar a un saxofonista de sesión para que hiciese el solo deciden hacer una audición entre los saxofonistas de los alrededores para que tuviesen su minuto de gloria. Es que es mucho solo, señores, es..."el solo" de "Money".
Justo antes de acabar el solo llega el éxtasis de la canción: el saxo entona los agudos y la batería se pone en primera linea para presentar al mago de la guitara. Menuda respuesta. Dave Gilmour responde al saxo con un solo que yo definiría como "epiléptico".
Tras los primeros momentos de éxtasis guitarrístico esta baja de revoluciones y empieza a entonar pequeñas estrofas al ritmo de la canción, un diálogo mínimo con esos parones tan propios de Gilmour, una parte sensacional. Tras unos acordes bajo, piano y batería se ponen al mismo ritmo y acometen el final a un ritmo altísimo mientras la guitarra continúa con su solo.
La locura acaba y Gilmour canta la última estrofa, apagándose su voz mientras repite ese "away, away, away" tan conocido.

te has superado... No hay palabras... :o

en kuanto lo lea comentaré algo mas

No es que podría, es que debería...deja la física y meteté en periodismo

Gracias Kakita por hacerme retomar esta joya, es un disco mitiquisimo, aun recuerdo cuando tenia 7 años y escuchaba este disco en el coche.
Si alguien tiene la oportunidad de hacerse con el original que lo compre, hasta la caja merece la pena.
La mejor del disco Us And Them con ese aire relajado y extraño del principio y el solo de saxofon que es para correrse, pero vamos el disco en si se tiene que escuchar entero creo que es como realmente se exprime.

¿Ummagumma es un disco de Pink Floyd? Es que estuve en un bareto heavy de Barna que se llamaba así y me llamó la atención el nombre, y ahora que leo eso xDDD

I-M-P-R-E-S-I-O-N-A-N-T-E, mira que habias hecho crticias buenas kakita, pero esto es insuperable, te has salido, dice bien Powerslave, podrias vivir de esto, lo digo en serio. GENIAL critica para un disco genial ENHORABUENA.

Wicker el Tokio Tales está extensamente comentado x Kak1ta en la primera pagina, en #4. Échale un vistazo a ver ké te parece.

Kakita, me parece una brutalidad, ya no sólo x como enfokas cada trabajo, si no por ke este consta de un cariz especial y se nota cómo lo has meditado y estudiado durante años me atrevería a decir. En cuanto tenga tiempo prometo escuchar el disco al completo, y kién sabe si acabaré escuchando a Pink Floyd como unn poseido.
De lo ke no me kabe duda es de ke te has superado a ti mismo kon este articulo-documental, mucho más ke cuando escribiste akel ke kolgamos sobre el Deathmetal, pues ahí ante la duda de sobre ké escribir tenías cientos de grupos disponibles para meter candela. En este escrito, has bordado todos los detalles minuciosamente sin prisas, y hasta parece otra mano dado el trasfondo de respeto con el ke abarcas cada cuestion, komo si de un musulman hablando del profeta se tratase. Ya no nos cabe duda a ninguno ke Pink Floyd es tu mayor inspiración, y kizas si esta gente supiese el sentimiento ke te causa su musika, te nombrarían fan honorífiko, kien sabe

Respecto a si sería correcto ke estuviese entre las demas crítikas, pues la respuesta es muy clara: no solo lo merecería por el esfuerzo y las ganas con las ke has trabajado, aunke haya sido un placer para ti, (no lo niegues cabron) si no ke deberia tener su propia pagina en partikular, pagina ke kon tu permiso me pienso kurrar para ke este trabajo no kede en el olvido, dede luego esto no puede suceder. Aun te digo ke kizas deberias colokarla en un nuevo foro, solo para acercar este trabajo a mas gente de la ke habitualmente leemos akí, pues se pierde muchos lectores por el hecho de ke mucha gente no sabe ke akí se postean trabajos como el tuyo. Te recomiendo eso exactamente, ke lo expongas en un nuevo foro si kieres, y en verdad es un trabajo bastísimo como para no colokarlo en la primera pagina, bandas como Pink Floyd rebasan los generos y los estilos y las épocas, y debe ser tenido komo un pilar basiko de la musika... Una vez mi padre me dijo ke Pink Floyd era el Rock elevado a la categoría de músika klásika... cuando algo es genial es dificil definirlo si no es utilizando esa misma palabra, genialidad. Asi pues, en cuanto tenga un poko mas de tiempo, y con tu permiso la subiré a una pagina individual y pondre una parte (la critika) en la primera pagina, con link hacia el texto komp`leto, si no tienes inconveniente.

Bueno, ya comentaré mas sobre el texto cuando escuche algo del disco, de mopmento solo tengo The Wall, Money y alguna otra.

salu2 metaleros

ajá ahora lo he entendido, ;D gracias

la amyoria de esos albunes tienen mas de estudio q de directo, y aunq el ejemplo no sea metal...

Cualquier mtv unplugged xD

Black Seed Productions, joven blackero ^^